Medicina alternativa, la otra medicina (Parte 2)

La medicina alternativa intentó cubrir los vacíos que los procesos excesivamente racionalistas no daban unas respuestas claras a las exigencias cada vez más demandadas por los ciudadanos. Uno de los aspectos más destacados y que estas medicinas hacen hincapié, era tener en consideración el punto de vista del propio paciente y lo que este puede aportar en su propio proceso de recuperación de la salud. Es decir, sobre la calidad de vida.

Concepto muy dinámico que depende de la percepción del grado del bienestar físico, psicológico y espiritual.

La calidad de vida viene definida principalmente por la relación que existe entre el paciente y su contexto, de tal forma que, en ocasiones, esta interacción es la causa de la enfermedad y su posterior evolución, así como de todos aquellos cambios que se producen a lo largo de la vida.

Una definición de la salud que la OMS precisa como » la salud es el completo estado de bienestar físico, mental y espiritual del ser humano y no solamente como la ausencia de la enfermedad».

El fin último para obtener una mayor calidad de vida frente a nuestras enfermedades ha provocado también, una excesiva medicalización en los procesos terapéuticos. Una inquietud muy generalizada que, en aras de una supuesta calidad de vida, la entendemos por desgracia, con un consumo desproporcionado de la medicación por encima de su posología y hasta y todo de la supuesta necesidad del tratamiento. En este aspecto véase el caso del consumo discriminado de antibióticos simplemente como garante preventivo. Situación casi crónica que año tras año nos alerta la Organización Mundial de la Salud.

Es cierto entonces que nos dirigimos hacia una medicina integrada que combine los tratamientos de la medicina tradicional y la medicina alternativa. Por supuesto que sí, y en la medida de que esta última establezca una eficacia complementaria e inocua y que supere el desencanto posiblemente existente con los sistemas de la medina oficial. La relación médico-paciente en ocasiones desbordada, la consideración del factor emocional subyacente en el proceso terapéutico y los efectos contrarios que en algunos casos puede provocar la medicina convencional, hacen que la medicina alternativa pueda empezar a verse como una opción más y complementaria a los procesos de salud.

Un punto de vista que bajo la supervisión de los facultativos de la medicina pueden ayudar a afrontar la enfermedad bajo una visión más amplia y no únicamente como una alternativa.

La seguridad de que la mente es muy importante para el tratamiento de muchas de las enfermedades, era una reflexión que ya venía de la medicina tradicional China hace ya más de 2.000 años. También Hipócrates, como padre de la medicina actual y que hoy se reinterpreta como pasiva, entendía que la medicina tenía que ser muy cuidadosa con el paciente en todos sus aspectos, físicos, emotivos, psicológicos, espirituales. Sin duda, la medicina hoy en día no tendría que estar tan lejos de esta afirmación. La medicina actual tiene que tomar nota.

Jaime de Oleza
Arquitecto
21.05.2026

Medicina alternativa, la otra medicina (Parte 1)

La medicina alternativa es un modelo de medicina que viene definido por un sistema médico de terapias paralelas a las de la medicina convencional. Unas técnicas curativas y preventivas que cada vez más están arraigadas en diferentes países, y que en todos los casos su fin último es una alternativa sanitaria que ofrecer a los pacientes.

Una alternativa que defiende su existencia porque establece un modelo de terapias que están basadas en ciertas técnicas tradicionales que perduran desde la antigüedad.

La medicina desde siglos se ha basado en una concepción humanista de la naturaleza y del hombre, para poderla utilizar y aplicarla en su salud. Actualmente esta mirada al pasado en referencia a las técnicas de sanación utilizadas hace milenios, ha abierto unos nuevos procesos terapéuticos que se están incorporando cada vez más en la recuperación y prevención de la salud.

Para entenderlo mejor, tendríamos que hacer un poco de síntesis histórica que nos explique de forma muy sucinta el porqué de la medicina tradicional. La medicina convencional tiene, desde hace más de dos siglos, como uno de sus fundamentos el entender el cuerpo humano concebido como una máquina.

Una consideración mecanicista que interpretaba al ser humano como una fábrica o sistema estructuralista y armónico de funciones biológicas.

Libro de anatomía humana de Andres Vesalio, «De Humani Corporis Fabrica» (1543)

En el año 1543 Andres Vesalio en su libro de anatomía humana De humani corporis fabrica “La fábrica del cuerpo Humano”, definía lo que se podría llamar el paradigma mecanicista de la estructura de la anatomía. Una disección pormenorizada de los órganos y elementos del cuerpo descrito con un virtuosismo anatómico como si de una máquina perfecta se tratara. Una visión muy adelantada en su tiempo. Todo ello escrito en diferentes tomos específicos correspondientes a cada parte de la anatomía del hombre. Una reflexión que se describía minuciosamente para lograr entender el todo en sus partes, y que tenía su fundamento en las teorías cartesianas o positivistas de la ciencia.

Teorías que, desde la filosofía y la matemática, pretendían llegar a conocer el mundo en cada una de sus partes y de esta forma poder llegar a comprenderlo en su totalidad.

Consecuentemente, a partir del conocimiento y del buen funcionamiento de cada una de las partes, se concluía inequívocamente el buen funcionamiento del todo. Lo global era la suma de las partes.

Posteriormente se pasó de esta concepción mecánica del cuerpo humano como estructura o maquina en la que sus piezas diseñadas para un uso exclusivo actuaban acordes entre si de una forma sabia e inteligente, a una visión bajo la perspectiva de una concepción química en su composición y funcionamiento. Un concepto que precisaba bajo una consideración analítica, que los factores de interrelación entre las condiciones externas, (gérmenes, bacterias, etc.), determinaban la relación entre causa y efecto de nuestra salud. Lógicamente y en este aspecto, el seguimiento, control y prevención de todas aquellas influencias externas serían la causa indiscutible que podía alterar nuestra salud, o bien prevenirla.

Un juicio que se fue haciendo poco a poco analíticamente reduccionista. Y mientras frente a esa restricción, la medicina alternativa mantenía un enfoque holístico de la salud. Un término que provenía del filósofo Christiaan Smuts (1870-1950), que publicó en 1926 la obra pensamiento holístico y evolución. Una concepción aplicada al saber humano que entraba en contradicción con el reduccionismo estructuralista de la época.

Una posición metodológica que se basaba en el concepto del ser humano como un todo y no sólo la suma de sus partes.

La aplicación en medicina de su teoría, establecía que los sistemas basados en terapias alternativas percibían al individuo como un ente global, cuerpo, mente y espíritu. Y no exclusivamente como una suma de sus partes.

Jaime de Oleza
Arquitecto
16.04.2026

Las abejas, una arquitectura eficiente

Es bien sabido que las abejas, estos pequeños insectos voladores, son fundamentales para el ecosistema y la vida en la Tierra. Principalmente porque son básicas para nuestra seguridad alimentaria, ya que son responsables de polinizar más del 70% de los cultivos que abastecen los alimentos del mundo. Por este motivo, su función es clave para la biodiversidad de nuestro ecosistema.

Son insectos que se encuentran en todos aquellos hábitats que contienen plantas y flores.

Su actividad es tan importante que, para llevarla a cabo, se organizan en colmenas: verdaderas obras de ingeniería y arquitectura densamente pobladas, con una estructura jerarquizada gobernada por una reina, mientras las demás actúan como trabajadoras incansables dedicadas a la construcción de las celdas. Construyen paneles en forma hexagonal donde almacenan la miel, un auténtico laberinto interior cuya arquitectura hace que otros insectos invasores acaben perdiéndose en su interior.

Son trabajadoras infatigables, construyendo celdas y anexionándolas unas con otras mediante la superposición de capas. Se ha demostrado matemáticamente que los hexágonos organizados en una cuadrícula minimizan el perímetro en comparación con cualquier otra figura geométrica. Asimismo, el hexágono se relaciona con el número áureo a través de la geometría de sus componentes (diagonales y triángulos internos), a menudo vinculado a la estructura de la serie de Fibonacci.

La estructura formada por hexágonos proporciona una gran resistencia a la compresión y, al repetirse, no genera espacios muertos.

Pabellón de los Hexágonos (1956), de José Antonio Corrales y Ramón Vázquez Molezún

Su forma ha inspirado a muchos arquitectos, como en el conocido Pabellón de los Hexágonos (1956), de José Antonio Corrales y Ramón Vázquez Molezún. Diseños que, gracias a esta forma geométrica, permiten un mayor espacio de almacenamiento con el mínimo de recursos. Una idea que, a día de hoy, como en tantas otras ocasiones, nos invita a aprender de la naturaleza.

Jaime de Oleza
Arquitecto
18.02.2026

Diez años de la existencia de cwork

Cuadro de Jaime Oleza por los 10 años de cwork

Hemos alcanzado una década desde la fundación de cwork, un espacio pionero en coworking que ha marcado la diferencia en el sector. A lo largo de estos años, han surgido muchos espacios similares, pero seguimos siendo únicos y bien diferenciados.

Desde el principio, hemos priorizado el ambiente de trabajo, la comodidad y la pasión por el diseño, convirtiendo una idea innovadora en un hogar para la colaboración y el desarrollo profesional.

En nuestros espacios han crecido cientos de profesionales, emprendedores y, sobre todo, soñadores, quienes han dado vida a sus proyectos de manera creativa. Desde el inicio, supimos que ofrecer solo un escritorio, o un despacho, no era suficiente; queríamos crear un entorno donde las ideas fluyeran, los negocios prosperaran y la inspiración estuviera presente en cada rincón. Diez años después, esta visión ha demostrado ser una realidad.

A lo largo de este camino, innumerables miembros han pasado por nuestras oficinas, muchas startups han nacido y evolucionado en cwork, y se han forjado valiosas amistades. Lo que comenzó como una alternativa al modelo tradicional de trabajo, hoy representa un nuevo paradigma basado en la flexibilidad, en la humanidad y la profesionalidad.

cwork seguirá siendo ese espacio donde el trabajo se transforma en una fuente de inspiración para cada proyecto que nace entre sus paredes.

Este logro es posible gracias a todos los que han confiado en nosotros, impulsándonos a mejorar día tras día. Celebrar diez años no es solo una mirada al pasado, sino también un desafío y una invitación a seguir adelante con el mismo compromiso y entusiasmo del principio. cwork seguirá siendo ese espacio donde el trabajo se transforma en una fuente de inspiración para cada proyecto que nace entre sus paredes. En definitiva, estamos orgullosos de ello.

Jaime de Oleza
Arquitecto
04.06.2025

Un monumento a Gaudí

Es indudable que el mayor reconocimiento que puede recibir un artista reside en su propia obra. Este hecho es especialmente evidente en el caso del templo de la Sagrada Familia de Antoni Gaudí.

No existe una obra artística y/o arquitectónica que se haya identificado mejor con la ciudad.

Esta obra maestra, pese a sus detractores, se ha convertido en un icono que, gracias al turismo, ha simbolizado mediáticamente la ciudad de Barcelona. Los visitantes lo saben y hacen largas colas para admirar el templo, a pesar de los problemas que la aglomeración de turistas y autobuses provoca en la zona. El barrio que acoge la Sagrada Familia está al borde de la saturación debido al éxito de la obra de Gaudí.

La Sagrada Familia atrae a más de cuatro millones y medio de los ocho millones de turistas que visitan la ciudad cada año.

Más del cincuenta por ciento de los turistas que vienen a Barcelona pasan por la Sagrada Familia, generando unos ingresos que en el año 2023 han superado los 125 M de euros.

Templo de la Sagrada Familia de Antoni Gaudí (Foto de Archie McNicol/Pexels)

Existen arquitecturas capaces de situar una ciudad en el mapa internacional, marcando un antes y un después de su construcción. Algunos de estos iconos, inicialmente han sido objeto de burlas, pero se han convertido en símbolos de sus ciudades, como es el caso de la torre Eiffel en París, criticada en su día como horripilante, sin embargo, este monumento es una parada obligatoria en la ciudad y, con solo al ver su foto, se identifica inmediatamente con París.

Otros ejemplos son la Estatua de la Libertad en Nueva York, la Ópera de Sídney y el Golden Gate en San Francisco, que son símbolos identificativos de sus respectivas ciudades. Un ejemplo más cercano es el Museo Guggenheim de Bilbao, diseñado por Frank Gehry, cuya construcción ha situado a Bilbao en el mapa del turismo internacional, identificando la ciudad con este espectacular edificio.

Estatua de Gaudí ubicada en el Portal Miralles de Sarrià

Volviendo a Gaudí y la Sagrada Familia, esta obra se ha convertido en la imagen más icónica de Barcelona, y consecuentemente por ello, resulta incomprensible que la ciudad no haya rendido homenaje a un arquitecto que ha hecho que Barcelona sea conocida en todo el planeta. Gaudí tiene una pequeña estatua de bronce a tamaño real, ubicada en el Portal Miralles de Sarrià, obra del escultor Jaume Camps, que antes de ser colocada en su ubicación actual en el año 2000, estuvo unos días frente al templo de la Sagrada Familia, y eso es todo.

Jaime de Oleza
Arquitecto
16.05.2025

La arquitectura del biomorfismo; un enfoque sostenible

Imagen por jcomp en Freepik

La palabra biomorfismo proviene de la conjunción de los vocablos “bio,” que significa vida, y “morfo,” que significa forma, es decir, la forma de la vida. La arquitectura llamada biomórfica se inspira en la forma y en la estructura de los seres vivos y de la naturaleza, buscando asemejarse a los elementos naturales y orgánicos que encontramos de manera armónica en la naturaleza.

Es una fuente de inspiración que dota de un gran potencial a arquitectos y diseñadores para influir en sus creaciones.

Muchos arquitectos de fama internacional, entre los cuales se encuentran los premios Pritzker, Zaha Hadid y Frank Gehry, buscan en sus proyectos un enfoque sostenible que les permita adaptarse al entorno.

Esta estrategia de diseño les hace ser respetuosos con el medio ambiente.

En sus obras se pueden observar ciertas características que se aproximan al enfoque de la arquitectura biomórfica, como la utilización de formas curvas, que transmiten una sensación de movimiento y fluidez, y la incorporación de detalles geométricamente orgánicos.

Centro Heydar Aliyev en Bakú, Azerbaiyán por Zaha Hadid (Foto de Elnur/Shutterstock)

Desde la antigüedad, los arquitectos griegos y romanos utilizaban en sus obras muchos elementos inspirados en la naturaleza. Sin ir más lejos, en el siglo XX, el modernismo, el art déco y el art Nouveau presentaban motivos florales y formas orgánicas que constituían el principio generador de la forma arquitectónica.

El empleo de formas curvas en la arquitectura tiene una clara influencia orgánica y crea una atmósfera confortable a nuestra vista, evocando una sensación de calidez y suavidad, diferente a la que viene determinada por la geometría recta euclidiana.

Casa Batlló en Barcelona, España (Foto por Ilir Hasa/Shutterstock)

Desde siempre, la prioridad de que el hombre se encuentre cómodamente bien, han determinado estrategias que integran formas amables, que por sus características especiales, proporcionan una sensación de tranquilidad y confort muy próximo a lo que podemos observar en la naturaleza.

Jaime de Oleza
Arquitecto
10.12.2024

Creatividad versus monotonía

Foto de Tim Mossholder en Pexels

La creatividad es, en esencia, una nueva forma de percibir las cosas y situaciones que nos rodean. Las personas creativas se distinguen por su capacidad para pensar en soluciones frente a cualquier momento de crisis en el que se encuentren. A diferencia de la monotonía, que hace que nuestra existencia transcurra de manera repetitiva y constante, muchas veces actuamos «monótonamente» debido al miedo al cambio. Esto ocurre porque siempre hemos actuado de la misma manera, y creemos que nos va bien así.

El ser humano, por naturaleza, necesita cuestionar los métodos y formas de actuar, y se ve obligado a resolver problemas de manera diferente, es decir, creativa. Esto no solo sucede en nuestro comportamiento social o familiar, sino también en el ámbito profesional. En este sentido, existen teorías que se basan en el pensamiento creativo y que se oponen a la comodidad que ofrece la monotonía.

Salir de la zona de confort implica desarrollar un pensamiento que nos lleva a replantearnos las cosas de manera más creativa.

Imagen de Freepik

Técnicas como el «brainstorming» o “el método Scamper”, junto con lo que se conoce como pensamiento lateral, resultan muy útiles para, a través de la creatividad, obtener resultados más innovadores. Sin duda, también nos puede ser de gran ayuda la teoría de Abraham Maslow (1908-1970), un conocido psicólogo que, con su magnitud de las necesidades, señaló que la creatividad va más allá de ser una simple habilidad artística: es una fuerza intrínseca que reside en cada uno de nosotros. Para Maslow, la creatividad y la felicidad son dos efectos inseparables. Liberar la creatividad que todos llevamos dentro es el camino para establecer soluciones novedosas y originales, por más descabelladas que puedan parecer en un primer momento.

Maslow también nos advierte que, debido a los cambios acelerados que experimenta el mundo, será necesario un nuevo tipo de ser humano que permita adaptarse a esos cambios sin detenerlos: en definitiva, un ser más creativo.

Jaime de Oleza
Arquitecto
21.10.2024

La paleta de un pintor como rasgo de su obra

Imagen de Eukalyptus en Pixabay

Estamos acostumbrados a ver pinturas sobre lienzos, tablas e incluso frescos en las paredes que han elaborado grandes artistas, pero rara vez nos detenemos a pensar en cómo el artista ha llegado a realizar la obra pictórica que estamos observando.

Una de las herramientas que un artista utiliza comúnmente es la paleta.

La paleta es el soporte donde se mezclan y descansan los colores, (tanto al óleo como acrílicos), para ser aplicados por el pintor. Es bastante común que sean de madera y, más recientemente, también de plástico. Principalmente, deben ser de un material no poroso para que no se alteren. Su forma frecuentemente es ovalada, en forma de riñón, con un agujero que permite la introducción del dedo pulgar para facilitar su sujeción mientras se pinta.

La paleta es un elemento que caracteriza a cada artista. En ocasiones, algunas exposiciones de reconocidos pintores las han exhibido junto a sus obras. Cada artista distribuye los colores en la paleta de manera muy personal y en función de la gama que quiera utilizar.

Las paletas se caracterizan por los colores con los que el artista va a trabajar.

En primer lugar, la disposición de los colores viene determinada por aquellos que se quieren utilizar. Por este motivo, existe lo que se llaman paletas limitadas, es decir, aquellas que restringen los colores a emplear, como pueden ser las monocromáticas. Estas últimas han sido empleadas como herramienta en el aprendizaje. Existen también las paletas de pigmentos cálidos o fríos, así como la llamada paleta de Zorn, en honor a Anders Zorn, un reconocido artista de principios del siglo XX, que utilizaba únicamente cuatro colores. Las paletas se caracterizan por los colores con los que el artista va a trabajar.

En segundo lugar, es importante destacar la disposición que pueden tener los colores en la paleta. Es habitual que los tonos se coloquen en un orden determinado con el objetivo de que no se mezclen entre ellos, y siempre procurando que el blanco y el negro se sitúen en los extremos, lo más separados posible. Lo más común es ubicar los colores en el borde superior según un orden lumínico. Sin embargo, hay pintores que solo disponen en la paleta de los colores primarios, obteniendo el resto a partir de ellos.

Una forma de entender mejor el lenguaje del artista.

En definitiva, la organización de una paleta depende de cada artista y representa la herramienta básica que le permite realizar su obra de manera armónica. En cierta medida, constituye otra forma más de entender mejor el lenguaje del artista.

Paleta de J.M.W. Turner

Paleta de Pablo Picasso y Henry Matisse

Paleta de Vincent Van Gogh

Paletas de Eugene Delacroix y Georges Seurat

Jaime de Oleza
Arquitecto
16.09.2024

El misterio de las matemáticas

Imagen de Chen en Pixabay

Las matemáticas siempre han guardado secretos que, para muchos profanos, resultan difíciles de entender. En cierta medida, estas paradojas determinan afirmaciones o razonamientos que nos llevan a contradicciones, ya sean reales o aparentes. La palabra “paradoja” proviene del griego (“para” y “doxos”) y significa, etimológicamente, “más allá de lo creíble”.

Desde la antigüedad, existen multitud de paradojas, algunas de ellas basadas en ciertas contradicciones que nos hacen reflexionar sobre razonamientos matemáticos y geométricos que bien podrían ser equivocados.

Hoy hablaré de dos de las más enigmáticas.

En primer lugar, tenemos la paradoja basada en la confusión que puede surgir debido a una apariencia engañosa del movimiento. Esta es la paradoja de los rodillos rodantes. Imagina que ubicamos tres rodillos circulares, cada uno con una circunferencia de 30 cm, y todos ellos soportan una plancha superior. Estos rodillos avanzan lo suficiente para dar una vuelta completa. La pregunta es: ¿qué distancia habrá recorrido la plancha superior?

A simple vista, podríamos pensar que la distancia sería igual a la circunferencia de los rodillos, dado que solo han dado una vuelta completa. Lamentablemente, estaríamos equivocados. La realidad es que al avance de la plancha debemos sumarle el propio avance de los rodillos. Es decir, sorprendentemente la distancia total será de 60 cm.

La paradoja de las ruedas de Aristóteles

Otra de las paradojas de índole geométrica que dejó atónito incluso al propio Aristóteles, y que muchos autores atribuyen a él, es la paradoja de las ruedas de Aristóteles. Esta paradoja se describe en el problema número 24 del libro Mecánica, perteneciente al Corpus Aristotélico. Posteriormente, fue analizada por Galileo en su obra Discorsi de 1638. Es una paradoja que no deja de ser intrigante.

Aristóteles dibujó dos círculos concéntricos: uno más grande y otro más pequeño. El círculo grande es tangente a una superficie horizontal y puede rodar sobre ella. El círculo pequeño tiene el mismo centro que el círculo mayor y está rígidamente fijado a él. Ambos círculos ruedan sin deslizarse para dar una vuelta completa. Aquí está la paradoja: ambos círculos recorren la misma distancia, pero lógicamente, la distancia para el círculo más grande es igual a la longitud de su circunferencia, mientras que la distancia para el círculo más pequeño es más larga que su circunferencia.

La clave está en que el círculo más pequeño, aunque rueda junto con el grande, también gira alrededor de su propio centro. Esto hace que su trayectoria sea más larga que su circunferencia.

La paradoja nos muestra la aparente contradicción de cómo dos círculos que parecen recorrer la misma distancia pueden tener longitudes de trayectoria diferentes.

A lo largo de la historia, matemáticos y geómetras han propuesto diferentes soluciones para esta paradoja, desde Galileo hasta Bernard Bolzano, un matemático del siglo XIX. Sin embargo, no existe un consenso generalizado para la resolución del problema.

Estos enigmas matemáticos y geométricos nos demuestran cómo las apariencias pueden resultar engañosas y cómo, en ocasiones, la geometría nos sorprende con situaciones en principio insospechadas.

Jaime de Oleza
Arquitecto
15.07.2024

La teoría del color

La teoría del color fue desarrollada por el químico y filósofo Wilhelm Ostwald (1853-1932) a partir de un estudio sistemático de los colores y sus propiedades. Su investigación sobre la armonía de los colores se basó en las escalas cromáticas, identificando cuatro colores elementales: amarillo, rojo, azul y verde, así como dos sensaciones cromáticas intermedias. Este fue un paso fundamental hacia la normalización en el estudio del color.

Siglos antes, el filósofo griego Aristóteles (siglo IV a.C.) consideraba los colores como expresiones divinas. Posteriormente, en 1810, Goethe determinó que los colores se basaban en estímulos fisiológicos.

En realidad, la percepción del color se produce gracias a millones de células especializadas en detectar diferentes longitudes de onda de los colores, ubicadas en la retina del ojo humano.

Estas células foto receptoras transforman los espectros de luz en impulsos eléctricos que llegan al cerebro y nos proporcionan la sensación del color.

En la actualidad, sabemos que los colores primarios (rojo, amarillo y azul) determinan la escala básica del color. Les siguen los colores secundarios, formados por la combinación de los primarios, y luego están los colores terciarios, resultado de combinar un primario con un secundario.

Este conjunto se representa en el círculo cromático, que nos permite elegir el color que queremos transmitir en cualquier contexto.

Los colores también poseen propiedades específicas, como el tono, la sombra, el matiz, la tonalidad, la saturación, el contraste, la nitidez y el balance. Estas propiedades determinan la versatilidad de cualquier color en el espectro que nos rodea. Además, existe un campo llamado psicología del color, que explora cómo los colores afectan nuestras emociones y percepciones. Los colores tienen un impacto profundo en nuestras emociones y comportamientos.

A lo largo de la historia, se han analizado e interpretado de diversas formas, porque cada uno de ellos y cada tonalidad tienen el potencial de evocar distintas sensaciones.

Foto de Robert Katzki en Unsplash

Rojo: Este color es apasionado y llama poderosamente la atención. Se asocia con el amor, la sangre, la alegría, los peligros, la cercanía y la guerra. En el mundo de la moda, se considera que el rojo estiliza y confiere sofisticación.

Azul: El azul evoca serenidad y confianza. Es un color que nos conecta con la calma y la tranquilidad. No es de extrañar que sea uno de los colores más apreciados por término medio.

Amarillo: El amarillo se asocia con el optimismo y la energía. Es un color brillante que nos llena de vitalidad.

Negro: El negro es elegante, misterioso y poderoso. También puede generar emociones fuertes, como ira o tristeza. En el mundo de la moda, se considera que estiliza y confiere sofisticación.

En cuanto a los programas informáticos, disponemos de una gran variedad de colores gracias a los módulos RGB o CMYK. Estos nos pueden ayudar a elegir, entre millones de colores, dependiendo de nuestras necesidades. En definitiva, el mundo que nos rodea está lleno de color, y la teoría del color nos ayuda a comprenderlo y describirlo mejor.

Jaime de Oleza
Arquitecto
11.06.2024